Schostakowitsch de-konstruiert – die musikalische Sichtweise des Jerusalem Quartetts hinter den Eisernen Vorhang.

Das Jerusalem Quartett (von vorne nach hinten– Kyril Zlotnikov (Cello), Ori Kam (Viola) Alexander Pavlovsky (erste Geige), Sergei Bresler (zweite Geige)) Foto: Alex Broede

“Sie alle sind großartig, ein jeder von ihnen,” meint Alexander Pavlovsky, der erste Geiger des Jerusalem Quartetts als er gefragt wird, ob er Favoriten unter den insgesamt 15 Streichquartetten hat, die sich wie ein Faden durch das ganze Werk von Schostakowitsch ziehen, welches, wie kaum ein anderes, seinen Platz und seine Zeit in der Geschichte widerspiegelt. Die Mitglieder des Jerusalem Quartetts, die alle über starke Wurzeln im russischen Erbe verfügen, können das sicherlich verstehen. “Selbst wenn man nichts vom Hintergrund wissen würde, vor dem diese Musik entstand, wäre sie aufwühlend. Aber er gibt einem einen Einblick in diesen spezifischen historischen Zusammenhang, etwas, worauf man sich beziehen kann, indem wir oft die traditionellen Strukturen in kleine Motive dekonstruieren, die er dann in einer sehr modernen und individuellen Art und Weise verwendet.” Sagt Ori Kam, der sich der Gruppe im Jahre 2011 anschloss und den bei der Gründung beteiligten Bratschisten Amitai Grosz ersetzte. Im Gegensatz zu Pavlovsky hat Kam persönliche Vorlieben unter den Schostakowitsch Quartetten: “Dies ist vielleicht das perfekteste Quartett,” sagt er über das Streichquartett Nr. 7 in fis Moll (Opus 108). Quartett Nr. 7 wurde im Februar und März 1960 zur Erinnerung an seine Ehefrau Nina Vassilyevna Varzarkomponiert, die im Dezember 1954 starb; das Stück wurde vom Beethoven Quartett uraufgeführt, mit dem Schostakowitsch Zeit seines Lebens eng zusammengearbeitet hatte. “Nr. 7 fasst irgendwie alle Elemente zusammen, die Schostakowitsch in den Quartetten 1-6 erkundet. Es ist zugleich von der Sprache her modern, aber doch klassisch und kompakt in seiner Struktur und in der Weise, wie es das thematische Material behandelt.” Pavlovsky gibt zu, das Quartett Nr. 6 zu mögen und unter Hinweis auf dessen “Frühling, Blumen, positive Emotionen …und viele schöne Solos.” Also gibt es doch Favoriten mit Nr. 6 als einem der Lieblingsstücke für das Programm mit seinen cleveren Cello Auflösungen, die jeden Satz mit dem gleichen Motiv beenden.

Jerusalem Quartett Foto: Felix Broede

Schostakowitsch war ein Hauptbestandteil des Repertoires dieser jungen Kammermusikgruppe, die sich aus Musikern zusammensetzt, die sich 1993 zusammengefunden haben, als sie an der Jerusalem Rubin Akademie (gegründet von Isaac Stern) unter der Anleitung des rumänischen Violinisten Avi Abramovich studierten. Von Anfang an war es klar, dass ein enormes individuelles Talent eine Gruppendymanik entfacht hatte, die weit über die einzelnen Bestandteile hinausging. Dank außergewöhnlicher Umstände wurde die Erlaubnis gewährt, die Einheit der jungen Musiker aufrechtzuerhalten, die - da in Israel geboren - sich für zweieinhalb Jahre für die Israelischen Verteidigungskräfte verpflichten mussten; die Musiker wurden zusammengehalten und waren somit in der Lage, ihre einzigartige Begabung weiterzuentwickeln.


Nach dem Konzert – in der Alice Tully Hall

Das außergewöhnliche Quartett hat für Harmonia Mundi Tourneen und Aufnahmen durchgeführt und wurde von Anfang an mit einzigartigem Erfolg belohnt. Violist Ori Kam hat all seine Musikerkollegen im Quartett schon früh in seiner Karriere bei gemeinsamen Konzertauftritten kennengelernt, aber er war vor allem mit dem Cellisten der Gruppe Kyril Zlotnikov eng verbunden. Beide Musiker betreuen die Viola/Cello Sektion von Daniel Barenboims West-Östlichen Divan Orchester , die kulturelle Überbrückung des Nahost-Konflikts durch musikalische Auftritte unterstützt.

Als Israelis haben die Mitglieder des Jerusalem Quartetts ihren Anteil an Erfahrungen von antisemitischer/anti-israelischer Aggression von vehementen Kräften, die keine Gelegenheit auslassen, ihre verdrängte Wut zu äußern. Dieser Umstand erscheint als besonders unfair angesichts der Tatsache, dass alle vier Musiker sehr unterschiedliche politische Standpunkte vertreten. Sie alle sind sich aber darin einig: “Wir sind Musiker, keine Politiker.”

Als Kam sich nach einem kurzen Intermezzo bei den Berliner Philharmonikern sich dem Quartett anschloss, hatten zuvor die anderen Guppenmitglieder bereits den ganzen Schostakowitsch Zyklus gespielt. Kam hatte nur einige der Quartette gespielt, bevor er dem Jerusalem Quartett beitrat und gibt zu, nicht von Anfang an ein großer Schostakowitsch Fan gewesen zu sein: “Es gibt keine Frage, dass er einer der größten Talente in der Welt der Musik war, aber ich empfand, dass es da etwas Manipuliertes in seiner Musik gab, etwas das fast keinen Respekt vor seinem eigenen Talent hatte. Er konnte die perfekte Fuge schreiben – aber stattdessen gab es eine Reaktion wie: ‘Sie möchten eine Fuge – hier, ich werde ihnen eine Fuge geben!!’ Ich empfand Unbehagen bzgl. seines Bedürfnisses die Parteimitglieder zu beschwichtigen, eine erzwungene idealistische und heroische russische Identität zu schaffen und dabei billig zu werden. Ich mochte einen direkten und dynamischen Ansatz und hier empfand ich etwas Gewundenes.

“Dennoch - und das ist der Vorteil, unterschiedliche musikalische Elemente in so einem so weitreichendem Rahmen zu untersuchen, wie dem Zyklus von all seinen Quartetten - bekommt man eine andere Allgemeinperspektive. Während ich einige einzelne Schostakowitsch Quartette in unterschiedlichen Programmen gespielt habe, mag ich nicht immer den intuitivsten Ansatz gehabt haben, es stellt sich heraus, dass die Passagen, die am problematischsten zu sein schienen, auch die interessantesten Elemente beinhalten. Man fängt an, die sich wiederholenden Elemente zu erkennen, die ihre akademische Qualität verlieren und an Unmittelbarkeit gewinnen. So funktioniert großartige Musik – das Violinen Rezitativ kommt wieder in der Cello Passage zum Vorschein... man greift die Idee auf und erkundet sie in einem anderen Kontext.”



Während dem ersten von vier aufeinanderfolgenden Sonntagskonzerten im März, der ausverkauften Veranstaltung für die Kammermusikgesellschaft an der ‘Alice Tully Hall’, war sicherlich die perfekte Klanghomogenität etwas, was das Publikum die gesamte Aufführung des Schostakowitsch Streichquartetts-Zyklus hindurch hören konnte. Das musikalische Erlebnis fand seinen Höhepunkt mit dem nüchternen, im Jahre 1944 geschriebenen letzten Quartett Nr. 15 in E Moll, Opus 144, das möglicherweise in der Tradition, die vom Borodin Quartett begründet wurde, als Requiem konzipiert worden war; es wurde vollständig in der abgedunkelten Halle aufgeführt.

Foto: Ori Kam vom Jerusalem Quartett zeigt und erzählt etwas der Viola-Spielerin Maria Semes, eine Studentin an der Juilliard School.

Im Laufe der Meisterklasse, die von den vier Musikern als Teil ihrer Vorstellung am 18. März angeboten wurde, wurde offensichtlich, dass das Geheimnis hinter dem ausgezeichnetem Klang des Jerusalem Quartetts darin besteht, dass jedes Detail im Aufbau ihres Programms aufs Genaueste abgestimmt ist: “Die Tiefe der Interpretation, wenn man Dinge erfühlt …das ist immer noch ganz anders, wenn jemand versteht, warum das so ist. Zum Beispiel das Crescendo hier muss gleichmäßig aufgebaut werden und es wird unweigerlich mit der Zeit kommen und Erregung und Spannung erzeugen. Das Publikum ist viel klüger als ihm einige von uns zugestehen; sie werden einen Zusammenhang herstellen, jedes Mal wenn das Thema wieder aufkommt. Die wichtigste Sache in der Kammermusik ist es, dass die vier wissen, was die anderen denken.
„Wir diskutieren viel während der Proben und finden normalerweise einen gemeinsamen Nenner. Oft sind unterschiedliche Meinungen nuanciert und nicht unbedingt so unterschiedlich, zum Beispiel wenn es um Tempoangaben geht, kann man ein langsameres Tempo mit einem fließenderem Gefühl oder ein Schnelleres [Tempo] mit einem eher statischen Gefühl ausführen. Wenn man dem auf den Grund geht, was der andere sich innerhalb der Musik vorstellt, stellt sich das als nicht so entgegengesetzt heraus,“ sagt Kam und führt fort:
„Unsere Arbeit besteht immer darin, unsere vier Stimmen unterschiedlich zum Ausdruck kommen zu lassen und das kann nicht nur durch die Lautstärke geschehen: Es muss Teil eines größeren Gebildes sein, die nach innen Kontur gibt, um die harmonische Struktur besser zu zeigen. Das ist der ständige Kampf: Gibt man zu viel Details, verliert man sich – gibt es zu viel Struktur – ist es langweilig.”

Das Jerusalem Quartett hat ganz klar vollständige Ausgewogenheit erzielt, indem es individuelle Kunstfertigkeit angesichts einer lebendigen Gruppendynamik bewahrt.
Ihre neue Aufnahme von Brahms Klarinetten- Quintett mit der Klarinettistin Sharan Karn wird im Mai erhältlich.
Ilona Oltuski

Pianistin/Komponistin Seda Röder- Internationale Musikumwelt

Um ihren Auftrag zu erfüllen, “zeitgenössische Musik jedem zugänglich zu machen” hat die türkische Pianistin /Komponistin Seda Röder, die international richtungsweisende Veränderungen angezapft, die einem unternehmerischen Handeln zugänglich sind.
Bei allen ihren Bemühungen in ihrem heimatlichen Istanbul, in Europa und den USA bringt Röder ihre endlose Energie und unternehmerischen Instinkte ein, indem sie Vorträge hält, Konzerte gibt und an Konzertkooperationen teilhat, während sie eine interaktive Plattform für zeitgenössische Musiker aus der Türkei aufbaut. Ihre Webseite “Listening to Istanbul” hat diesen Titel mit ihrer CD gemein, die den Weg für Röders Klavierkompositionen und sechs andere zeitgenössische Komponisten aus Istanbul bahnt, die von Röder selbst gespielt und in Auftrag gegeben wurden. Auf Röders Plattencover wird zitiert: “Ich höre Istanbul mit geschlossenen Augen zu.” So begann Orhan Veli, der große türkische Dichter des 20. Jahrhunderts sein gefeiertes Gedicht über Istanbul. Seda hört noch einmal Istanbul aufmerksam mit offenen Ohren und Augen beim Anbruch einer neu aufkommenden Ära zu.
Und was sie im Jahre 2010 hört, während die Stadt den Titel ‘Kulturhauptstadt Europas’ trägt, sind spannende und aufregende Klänge einer neuen Generation türkischer Komponisten. Voller Energie und innovativer Kraft repräsentiert ihre Musik die lebendige und sich schnell verändernde Atmosphäre, welche der Schmelztigel Türkei in die Welt austrahlt.

Wie sie mir mitteilt, sieht Röder ihr Engagement, eine demokratische und aufgeklärte Gesellschaft in der Türkei zwischen Ost und West zu schaffen, eher als feinnuanciert statt als offen politisch. Obwohl sie eine Kolumne für das türkische Kunst- und Musikjournal “Neo Filarmonie” schreibt und sich mit Themen auseinandersetzt, die sich auf nationale und internationale Kunst/Kulturpolitik beziehen geht es beim Inhalt dessen, was sie schreibt, in erster Linie um neue Musikprogramme, Defizite neuer Musik bei Festivals und die Unterstützung zeitgenössischer Künstler heutzutage. Während Röders Webseite, die Biographien, CDs, internationale Konzertprogramme vorstellt und allgemein über am Bosporus aktive Komponisten informiert, durch Gelder aus Istanbul (vom ISGYO - Istanbul Real Estate Investment Trust) unterstützt wird, ist es ihre Verbindung zu Harvard und die sich daraus ergebende Rolle, die ihre Expertise als Vortragende in ihrer ‘Blackbox’ genannten Podcast-Reihe auf iTunes erkunden läßt. 

Es war Röders ursprüngliche Ambition, sich innerhalb der gesamten Musikwelt zu engagieren, gleich ob sie dies erreichte, indem sie die Konzertprüfungen des Mozarteum Salzburg mit Auszeichnung absolvierte, intensiv mit Brahms-Spezialist Gerhard Oppitz an der Musikhochschule in München arbeitete, die Prinzipien der Aufführungspraxis der Orchester Musik erforschte oder mit historischen Instrumenten arbeitete.
Brücken zwischen den Kulturen zu bauen, ist für die Befürworterin der neuen Musikszene in Istanbul selbstverständlich, wo sie oft auftritt und sich bei Musikveranstaltungen engagiert. Gerade im letzten März machte Röder bei einem Auftritt mit, der vom Österreichischen Kulturforum beim Generalkonsulat in Yenikö veranstaltet wurde.
Im Jahre 2007 traf sie via Salzburg in Harvard ein und erforschte die Klaviermusik von Alban Berg und Arnold Schoenberg und ging als “Associate”, bevor sie sich wieder in Salzburg wiederfand. Die Kultur- und Musikgeschichte Österreichs sind sicherlich prägend für Röders Stil, wie das Repertoire offenbart, das sie zur Aufnahme ihres Debüt Albums auswählte; der Inhalt des ersten Albums spannt sich von Mozart bis Berg, um Komponisten, die alle in Wien aktiv waren. Im letzten Jahr spielte Röder in den USA sowohl an der West- als auch der Ostküste, aber in diesem Jahr konzentrieren sich die Auftritte auf Salzburg und Röder wird im Mai zurück in Istanbul sein, um das 50. Jubiläum des Österreichischen Kulturforums zu feiern.
Wenn es darum geht, das Publikum mit den verschiedenen Sprachen der Komposition des 20. und 21. Jahrhunderts vertraut zu machen, ist Röder durch und durch erfinderisch. Indem sie nicht typische Werke verschiedener Komponisten einschließlich von ihr selbst, Lei Lang, Beat Furrer, Morton Feldman, Helmut Lachenmann und John Cage vorstellt, überrascht sie ihr Publikum mit der Erkenntnis, dass hinter den “typischen” schockierenden und ungeheuerlichen Avant-Garde Stilen dieser Künstler, auch durchaus gezähmte und sogar klassische Elemente liegen können. Zum Beispiel kann John Cage, der für seine experimentellen Kompositionen bekannt ist, auch romantische Sachen hervorbringen, wie sein “In a landscape”, das eine starke Anlehnung an Debussy in Erinnerung ruft. Röders programmatische Auswahl stellt die Idee in den Mittelpunkt, dass es die persönliche Entscheidung dieser Komponisten war, ihre Musik in eine Richtung zu lenken, für die sie bekannt geworden waren und dass eine lebendige Umsetzung die Sichtweise des Publikums drastisch verändern kann.

Röder ist eine Allround-Musikerin, die an die Macht der Zusammenführung verschiedener Kunstformen wie Video, Tanz und Musik glaubt. Ihre Musik greift auf ein Klangvokabular zurück, das aus Klängen besteht, die mit Hilfe von elektronischen und akkustischen Instrumenten erzeugt werden, einschließlich von E-Bows, Schlägel und Metallmünzen, die auf der Tastatur, den Saiten und dem Pianokörper verwendet werden. Ich habe im Sommer 2012 ihren Parade- Auftritt zum Anlass von “Classical: Next” in München gesehen, die bei mir den Eindruck hinterliess, dass sie eine sehr gute Pianistin ist, ganz egal was für ein Repertoire sie auswählt. Ausserdem konnte man sie direkt nach dem Auftritt darüber ein paar persönliche Worte äußern hören, wie auch über ihr ganzes bevorstehendes Konzertprogramm.
In ihrer jüngsten Ko-Produktion mit SEAD “Same room, same time - John & Merce” würdigt Röder die klangliche Vorstellungswelt von Cage. Das Stück trägt den Titel “False Memory”, bezieht sich auf das psychologische Phänomen Déjà Vu und erinnert an ein Ereignis, dass ein Teil einer Erinnerung zu sein scheint, die größer als das Leben selbst ist, aber notwendigerweise nie wirklich stattgefunden haben mag.
Röder wurde vom klassischen Meister Alfred Brendel eine “Meisterin zeitgenössischer Klavierkunst” genannt, die besonders mit ihren Dialogen mit der Stille beeindruckt. Röders “Beethoven Now!” Programm sorgte für die Schaffung elektro-akkustischer Kadenzen und war ein transzendentes Beispiel ihrer ikonischen Erkundung von Alt und Neu.
Röders Werk Black and White, das seine Premiere beim Tiroler Festival “Klangspuren” im September 2013 haben wird, steht beispielhaft für seinen Fokus auf das Klavier. Als Komponistin sucht Röder nach neuen Definitionen innerhalb eines Klavierrepertoires, das sowohl mit Österreich als Land großartiger Klaviertradition verbunden ist, als auch im Kontext der Klavier Musik der Komponisten von heute steht. "Der österreichische Klang des Klaviers " ist der Untertitel ihrer Black and White Statements, einem Spektakel auf der Suche nach einem neuen Piano-Sound, der sich auf ihre Welt des Klaviers konzentriert und an zwölf österreichische Komponisten erinnert. Diese Komponisten finden sich einem Instrument gegenüber, dessen Sprache auf tragische Weise alles gesagt zu haben scheint, was es zu sagen gibt. Die Dringlichkeit und Dramatik in Black and White ist fühlbar, erstickt die Luft mit einer Drohung; fast ist es so, als ob das Klavier eine neue Art und Weise zu sprechen lernen oder das Risiko ewiges Schweigen hinnehmen müsse. Das Programm versteht sich als Antwort auf zuvor nie gestellte Fragen, eine kollektive Reduktion des Klaviers auf seine wesentlichen Eigenschaften, die darauf abzielt, sein Wesen neu zu entdecken.